HENRI MATISSE

Texto OLGA BLINDER

Conferencia en el Museo de Bellas Artes Junio 1971

Cuando recibí la invitación para hablar sobre Matisse pensé que él merece algo más dinámico, más alegre, que una conferencia; pensé que a Matisse hay que verlo a través de sus obras; hay que oírlo, en sus propias palabras, para poder disfrutarlo en todo su sabor.

Las obras de Matisse no necesitan explicación. Hay que sumergirse en ellas, gozarlas plenamente con los ojos.

MATISSE (1869-1954)

La primera palabra que viene a mi mente cuando miro una obra de Matisse es "Libertad". La feliz emoción de ver la línea desarrollándose libremente, la hermosa sensación de sentir, en colores, la libertad. ¿Por qué produce Matisse esa asociación? ¿Hasta dónde es su obra totalmente libre? ¿O es que la alegría que transmiten sus pinturas, sus dibujos, es la misma vital emoción que produce el sentirse libre? Cada obra de Matisse está, sin embargo, totalmente controlada, No hay en ella una línea de más ni un color inútil. La administración es perfecta, la economía total. Todo lo que está allí tiene que estar. Sacarle una línea, un tono, es desequilibrar la obra, destruirla. Para aclarar ciertas dudas tendríamos que saber

¿Qué dice Matisse?

Ya en su vejez recordaba el momento cuando siendo estudiante de Leyes convalecía de una larga enfermedad y su madre le regaló una caja de óleos. Lo más importante para él cuando empezó a pintar fue que "entonces era libre, estaba solo y tranquilo". Pintó académicamente como si Manet no hubiera vivido; no supo de la existencia del impresionismo durante cinco años y sin embargo hacía años que esta gran revolución pictórica había lanzado su primer grito de batalla.

En 1900, casado ya y con tres hijos pintaba decorados por metro como medio de vida y estudiaba por la noche para profundizar en los conocimientos técnicos, y él nos dice de esa época "aunque sabía que había encontrado mi verdadero camino, tenía miedo comprendiendo que no podría volver atrás. Entonces agaché la cabeza empujado no sé por qué, una fuerza que ahora veo que es completamente extraña a mi vida normal como ser humano". "Nunca eludí la influencia de otros artistas. Yo podría haber pensado que eso era una forma de cobardía y falta de sinceridad hacia mí mismo". Pero las obras de Matisse en las que se descubren esas influencias que él mismo señaló tienen, a pesar de todo, su inconfundible sello personal.

El precedente que Matisse estudió más profundamente y que más le fortaleció fue, sin duda, su propia obra y lo expresó así "Me encontré a mí mismo analizando mis viejos trabajos. Descubrí en ellos una constante que tomé primero como monótona repetición. Era el signo de mi personalidad que afluía, no importara cual fuera el estilo que estuviera atravesando". "Hubo un tiempo en que nunca colgaba mis cuadros de las paredes porque me recordaban momentos de agitación nerviosa que no quería volver a sentir cuando estaba tranquilo". "Mi sueño es un arte lleno de equilibrio, de pureza, de serenidad, libre de preocupaciones o temas inquietantes. Una influencia confortante, un bálsamo mental, algo como un buen sillón en el cual poder descansar de las fatigas físicas".

"Cuando las dificultades perturban mi trabajo me digo: Tengo colores y una tela y tengo que expresarme con pureza aunque lo haga en la más simple forma poniendo cuatro o cinco manchas de color o dibujando cuatro o cinco líneas que tengan expresión plástica".

"Como cada elemento es sólo uno de la combinación de fuerzas (como en una orquestación) el total puede ser cambiado en su apariencia y el sentimiento se mantendría “igual". "Tengo que lograrlo con lo más simple, con el mínimum de medios que son los más adecuados para expresar la visión interior de un pintor". "Las artes tienen una evolución que viene no sólo del individuo sino también de una fuerza total que nos precede: la civilización. No se puede hacer cualquier cosa; un artista talentoso no puede hacer algo arbitrario. Si sólo usara sus dotes no podría existir. No somos los amos de nuestra creación; ésta se nos impone".

Matisse es un artista sin prejuicios, del sensualismo del color "fauve" ha sido capaz de llegar al ascetismo de la Capilla de Vence. "Cuando los medios de expresión se han vuelto tan refinados y atenuados que el poder expresivo se torna débil es el momento de retornar a los principios esenciales. Ese es el punto de partida del fauvismo: El valor de volver a la pureza de los medios", "aquellos que contienen el poder de afectar los sentimientos".

Cercano ya el final de su vida Matisse dio solución a las dos ecuaciones básicas del fauvismo. La luz, después de todo, puede ser manejada directamente y Matisse en la Capilla de Vence dejó la pintura para enfrentar el problema de la luz. "Los colores, los trazos son fuerzas y en el juego de esas fuerzas, en su equilibrio, reside el secreto de la creación. En la Capilla de Vence que es el coronamiento de las pesquisas anteriores realicé ese equilibrio de fuerzas: El azul, el verde, el amarillo de los vitrales componen en el interior una luz que no es ninguno de esos colores sino el producto vivo de su armonía, de sus relaciones recíprocas; ese color - luz se proyecta sobre el campo blanco cercado de negro del muro que está frente a los vitrales y en el cual las líneas están intencionadamente muy esparcidas".

Los atributos separables de la pintura: luz y materia, encontraban finalmente su forma apropiada y cuando Matisse volvió a los colores de la pintura fue como volver a una sustancia natural. Los papeles pintados con vivos colores a la témpera eran la sustancia básica de la pintura, la radiación plana del color, y él los enfrentó con la tijera. "Cortando los colores me siento como esculpiendo directamente en la piedra. Con cada golpe el corte revela el carácter de la materia, la pristina sustancia del color y también una forma, una imagen".

Al final de su vida un escritor trataba de convencerlo de que se pronunciara en contra de las tendencias no figurativas de los jóvenes pintores y Matisse le contestó: "Siempre que estoy en armonía con mis sensaciones en relación a la naturaleza siento que tengo el derecho de partir de allí para expresar mejor lo que siento y la experiencia me lo confirmó. Para mí la naturaleza está siempre presente. Como en el amor, todo depende de lo que el artista, inconscientemente, proyecta en lo que ve. Es la cualidad de esa proyección más que la presencia de una persona lo que da a la visión del artista su vitalidad".

"La expresión, a mi modo de pensar, no consiste en la pasión reflejada en el rostro humano o traicionada por un gesto violento. La disposición de mi cuadro es expresiva. El lugar ocupado por las figuras u objetos, los lugares vacíos que hay en torno de ellos, las proporciones, todo desempeña un papel". Los cuadros de Matisse pueden verse de dos maneras: olvidar el tema mirando el diseño que va de un extremo al otro del cuadro, o mirar el cuadro pensando en el dibujo y ver la figura, los objetos, el fondo, todos bien dibujados y con deformaciones realizadas de propósito en favor del diseño. "Para el artista la creación comienza con la visión. Ver es ya un acto creador que exige un determinado esfuerzo. Todo lo que vemos en la vida diaria sufre más o menos la deformación nacida de los hábitos adquiridos, y el hecho es tal vez más sensible en una época como la nuestra en la que el cine, la publicidad, los periódicos imponen diariamente un flujo de imágenes preconcebidas que son un poco, en el orden de la visión, lo que es el preconcepto en el orden de la inteligencia. El esfuerzo necesario para libertarnos exige una especie de coraje y ese coraje es indispensable al artista que debe ver todas las cosas como si las viese por primera vez; es preciso ver la vida entera con ojos de niño". "Tomando un ejemplo, creo que nada es más difícil para un verdadero pintor que pintar una rosa, porque para hacerlo es necesario, antes que nada, olvidar todas las rosas que ya fueron pintadas. A los que me venían a ver, en Vence, les solía hacer esta pregunta: ¿Vieron los acantos a los lados del camino?. Ninguno los había visto; todos habrían reconocido la hoja de acanto sobre un capitel corintio; en el estado natural sin embargo el recuerdo del capitel no permitía que se viese el acanto".

"Es un primer paso para la creación ver cada cosa en su verdad y esto presupone un esfuerzo continuo. Crear es expresar lo que se tiene dentro. Todo esfuerzo auténtico de creación es interior. Aún así es preciso cultivar esa sensación con el auxilio de los elementos extraídos del mundo exterior. Aquí interviene el trabajo por el cual el artista incorpora y asimila gradualmente el mundo exterior, hasta que el objeto deseado se vuelva parte de él mismo, hasta que lo tenga dentro de sí y pueda proyectarlo en la tela como su propia creación". "La obra de arte es así el coronamiento de un largo trabajo de elaboración. El artista absorbe todo lo que a su vez sea capaz de alimentarle la visión interior; directamente, cuando el objeto que dibuja debe figurar en su composición, o si no, por analogía. Se coloca así en estado de crear. Se enriquece interiormente de todas las formas de que pueda ser dueño y que ordenará algún día conforme a un nuevo ritmo. Al expresar ese ritmo la actividad del artista será realmente creadora. Para conseguirlo preferirá la selección al cúmulo de detalles. Deberá escoger, por ejemplo, en el diseño, dentro de todas las combinaciones posibles, el trazo que se revele plenamente expresivo, portador de vida, buscar las equivalencias por las cuales la naturaleza se transpone al ámbito propio del arte".

"Todo lo que en el cuadro no tiene utilidad es, por eso, perjudicial. Todo detalle superfluo tomaría en el espíritu del espectador el lugar de otro detalle esencial". "Hay una proporción necesaria de tonos que puede llevarme a modificar la forma de una figura o a transformar una composición. Mientras no la he logrado en todas las partes la busco y prosigo mi trabajo. Luego llega un momento en que todas las partes han hallado su relación definitiva y a partir de ese momento me sería imposible retocar nada de mi cuadro sin rehacerlo por entero".

"Ocurre que simples colores pueden influir sobre los sentimientos y con fuerza tanto mayor cuanto más simples son. Un azul, por ejemplo, subrayado por su color complementario actúa sobre el sentimiento como un enérgico golpe de gong. Otro tanto ocurre con el verde o con el rojo, y el artista debe ser capaz de hacerlos resonar tal como él lo necesita". "Planteando correctamente los términos fundamentales, podría demostrarse que no sé procede menos lógicamente cuando se pinta un cuadro que cuando se construye una casa".

"Un nuevo cuadro debe ser un acontecimiento único, un nacimiento que enriquece con una nueva forma la imagen del mundo tal como la concibe el espíritu humano".

"Cuando alguien me dijo que yo no veo a las mujeres como las represento, le respondí: Si me topara por la calle con semejantes criaturas saldría corriendo a todo lo que dieran mis piernas. Al fin de cuenta yo no creo ninguna mujer, yo hago un cuadro".

Fuente: OLGA BLINDER 1956-1985 COMENTARIOS. Pintura-Dibujo-Fotografía-Grabado.

Autora: OLGA BLINDER. Ediciones IDAP, Asunción-Paraguay, 1985. 163 pp.

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