REFLEXIONES SOBRE EL ESTILO Y LA ESTÉTICA MUSICAL DE IGOR STRAVINSKY
A NOVENTA AÑOS DEL ESTRENO DE "LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA"
Por VÍCTOR MANUEL OXLEY INSFRÁN
Lic. en Filosofía
El 29 de mayo de 1913 se estrenaba en el teatro de los Campos Elíseos de París, la obra de Igor Stravinsky (17 de junio de 1882 - 6 de abril de 1971), “La consagración de la primavera”, dentro del ciclo de “Ballets Russes” producidos por Serguei Diaghilev, y cuya representación causó uno de los más grandes escándalos artísticos del siglo (la coreografía presentada por el bailarín Vaslav Nijinsky fue la piedra del escándalo).
Más allá de este suceso, la revolucionaria obra musical estaba destinada a cambiar el curso de la historia. Para la música europea significaría el término de la hegemonía de dos siglos de la tradición germánica, la del predominio de la melodía y la armonía sobre el “ritmo”.
Stravinsky al referirse a esta obra, a la cual podemos decir que no precedía una tradición inmediata ni mucho menos una rigurosa teorización en el sentido que él le imprimiría, comentó que “sólo tenía mi oído para ayudarme: oía, y escribía lo que oía”. A 90 años de aquel estrepitoso acontecimiento, en medio de un mundo no menos escandaloso que aquel acto mismo; haciendo una mirada retrospectiva, ¿qué podemos rescatar como algo aún intelectualmente regente?, que aún sirva de estímulo, para nosotros, mortales abigarrados y sumergidos bajo toneladas de vacuidades y en opacas existencias; reflexionaremos un poco sobre la concepción del arte musical en sus aspectos estilísticos y estéticos, bajo la propia mirada de uno de los genios más grandes de la música, a partir de sus declaraciones y su obra misma.
No es nuestra intención hacer un análisis que agote la abundante producción de Stravinsky, pero sí es la de subrayar las constantes e invariantes que se dan en ellas.
El pensamiento y la construcción musical de Stravinsky gira en torno a dos ideas: “orden” y “unidad”; la composición para él es un acto consciente, en el cual confluyen la organización del sonido y el tiempo, los dos elementos fundamentales de la música. La creatividad comienza con una volición libre, un “querer”, por parte del compositor; el cual concretará su obra como un producto final, fruto de la ubicación de su concepción dentro de unos parámetros estéticos auto-impuestos. La creación es un proceso inseparable de la acción de escribir según Stravinsky y, por lo tanto, la “inspiración”, es secundaria.
Esto no quiere decir que Stravinsky era ajeno y contrario a la emoción humana, pero desconfiaba de unas bases para la creatividad musical, cimentadas en extremo sobre la subjetividad. La música según la idea stravinskiana solo puede existir de forma “objetiva”, no podía “expresar” subjetivamente.
La relación de Stravinsky con la música -comenta Ernest Ansermet- no era la de un músico corriente, la música en la visión stravinskiana no es una expresión de sentimientos, y en general, es incapaz de expresar nada. Fue el primero para el que su actividad creadora era un “hacer”, mientras que para la tradición anterior era un “sentir”. La forma es un fin en sí misma, y su aparición en el espacio sonoro depende de la puesta en forma de las partes y de la ordenación de esas partes. Una exposición rigurosa de la forma y las relaciones rigurosas de la pieza, aparejados con la impersonalidad, lo literal y severo, hacen objetiva una interpretación, según un conocido paradigma de “literalidad interpretativo”, en antagonismo y detrimento del color, el encanto y la emoción, fundamentos caros al romanticismo; en este sentido fue Stravinsky con respecto a la interpretación de sus obras quien dijo, “no me ‘interprete’, toque las notas tal como las escribí”. El deseo de Stravinsky era el de una traducción e interpretación literal (no analizamos los méritos o las limitaciones de este paradigma) y objetiva de las notas que había escrito, nada más ni nada menos.
Lo que determina la unidad de la obra de Stravinsky -sentencia Ansermet- no es el estilo, sino ciertos procedimientos estilísticos en los que se definen su gusto estético y su temperamento. Las piedras angulares sobre las cuales Stravinsky construye sus magníficas creaciones son dos principios bien definidos: las cuartas yuxtapuestas y los semitonos estrechamente agrupados, los aspectos melódicos están dominados por la repetición de motivos breves, de corta extensión interválica; las frases se dividen en unidades rítmicas breves sobre periodos iguales y desiguales. Los medios rítmicos y armónicos empleados son utilizados como un todo orgánico, los esquemas de tonalidades vinculadas o la interconexión métrica, concluyen en una original modulación métrica y armónica, dándole variedad y cambio.
El orden y la unidad basados sobre el elemento tiempo, encuentran su sentido en la relación entre ritmos variables y metros invariables. La irregularidad sola es efectiva cuando es antepuesta a la regularidad, y esta sabia lección la asimiló de Webern.
Un alto sentido de “orden”, rico en relaciones fértiles, es el imperativo que a Stravinsky gobierna y empuja; cual mandato kantiano es su regla del obrar. En este sentido auto-impositivo, su elección del material con el cual trabajar, el ordenamiento estructural, la instrumentación, la tonalidad, eran sumamente importantes para hallar ese “orden” buscado. Otro principio constructivo que le da coherencia a su estilo es el agrupamiento de instrumentos según sus sonoridades y una predilección por el empleo de las variaciones como estructura unificadora, donde una y otra están estrechamente vinculadas.
La constante en la obra de Stravinsky es la auto-imposición de un orden; este encuentra sus raíces profundas en la exigencia estético-intelectual de su conciencia. La forma está vinculada a la experiencia, si bien él buscó y utilizó transformaciones, rotaciones, deformaciones, simetrías, todas propias del aspecto formal del pensamiento topológico, estas no se impusieron por simple impulso preferencial, pues fue su exigencia sonora-auditiva, la que posibilitó un equilibrio entre esa tendencia abstractiva-estructural-formal confrontada al burdo empirismo de sus propios sentidos.
Fue Karl Popper quien dijo que “Hay quienes sienten urgencia por resolver un problema, personas para quienes un problema se convierte en algo real, como un desorden que tienen que eliminar de su sistema” y esta imagen es la que se adecua necesariamente a Igor Stravinsky, pues él fue un incansable buscador de nuevas posibilidades en la creación musical. “No puedo componer -dijo -hasta que haya determinado qué problemas debo resolver”; sus imperativos categóricos (al modo kantiano) lo llevaron a practicar soluciones originales, desembocando en nuevas estructuras de órdenes más complejos, lejos de una práctica tradicional enraizada en supuestos comunes. La extraordinaria originalidad del arte de Stravinsky -dice Ansermet- es, que al faltarle elementos para ser un músico corriente, ese vacío fue llenándolo con otras vías para la imaginación que, con la ayuda de su perfecto conocimiento del lenguaje musical, le llevó a ser el más prodigioso productor de música del siglo XX, y Francis Routh al referirse a Stravinsky lo describe como aquel que se “enfrentó a una sociedad que asignaba mayor importancia al progreso tecnológico, y lo hizo con la penetrante lógica de su estética. Combatió el escepticismo con la certidumbre. En una época de falta de compromisos, del régimen de lo aleatorio, de la improvisación, estaba comprometido, era disciplinado y preciso”.
Publicado en el diario ABC COLOR
En fecha: Domingo, 10 de Agosto del 2003
