RASTROS, 2003
Óleo sobre lino de LUIS FRACCHIA
Serie GEOGRAFÍAS
100 x 160 cm.
CONFLICTOS DE CONTEMPORANEIDAD EN LA OBRA DE LUIS FRACCHIA
POR LUIS MARTÍN LOZANO
El hecho plástico que Luis Fracchia planeta en algunas de sus obras, me parece que pertenece a la dimensión de la verdadera pintura; entendiendo a esta, precisamente, como el ejercicio de una facultad intelectual para cuestionarse la realidad y asumir el reto de una respuesta, la cual, bajo la lógica de equivocarse, también puede acertar como una manifestación válida. Lo que en el caso de Fracchia significa trascender la ficción simple de tener el oficio de un buen pintor.
Dos son los asuntos conceptuales que descubro en su pintura y que me gustaría subrayar: primero, que su figuración –a veces muy minuciosa- no es solamente un recurso fácil de encantamiento, sino que con ella se plantea un conflicto de la estética de todos los tiempos: La materialidad y espíritu de la figura humana, frente a la existencia de la abstracción plástica que se niega a fenecer como el fondo de un cuadro; y segundo, que existe una manifiesta tendencia en su obra a buscar el equilibrio entre los opuestos.
Quizá el espectador no lo advierte del todo, pero en los fondos que sirven de ambiente a los cuerpos que pinta hay un intenso trabajo de reflexión metafísica que gradualmente crea un ambiente de tensión entre la figura y el fondo; ya sea en los tonos neutros que utiliza –y que encuentro un tanto gélidos y asépticos- donde se libra una callada batalla entre el realismo y la abstracción.
En sus pinturas existe un momento no abstracto, cuando se manifiesta la figura humana con hiperdetalle y hay una conquista gradual entre el sujeto pintado y los objetos naturales que comúnmente porta entre sus manos; hasta aquí Luis Fracchia procede como un pintor realista haciendo gala de su oficio. Pero es en la convivencia de la figura con su entorno, cuando el artista logra introducir un elemento estimulante para el ojo ávido, que critica la ficción de su tramposa realidad. Es entonces cuando triunfa un segundo momento, no figurativo, donde reina la Razón plástica y el pintor se dedica a recrear los efectos de luz, enmarcar la silueta falsa de las figuras, y fabricar la escenografía del teatro del espacio.
Para mí, es esta supuesta abstracción la que permite a Luis Fracchia integrar la fragmentada realidad de los cuerpos con su condición existencial contemporánea; el hombre y la mujer, lo orgánico y lo inorgánico, lo interno expuesto y lo externo asumido.
Sus obras DE LA SERIE CONTINUOS y SERIE CLAVADOS tienen el dominio técnico de la figura en el espacio – gracias a las cualidades de un buen dibujo- pero además, evidencian la insatisfacción del intelecto que ahora se cuestiona la dinámica del movimiento y la dialéctica, entre la forma como se manifiesta el cuerpo, y el fondo que surge como un nuevo protagonista de gran fuerza plástica. Utiliza sabiamente el equilibrio de medios torsos desnudos, con franjas simétricas de rojo siena, que en lo personal me recuerdan a la paleta de color utilizada por Piero Della Francesca. Encuentro que estas piezas tienen la neutralidad de un clásico contemporáneo. He aquí una paradoja de la contemporaneidad.
DUETO. Año 2003
Serie GEOGRAFÍAS
Técnica: Óleo sobre lino, de 100 x 160 cm.
LUIS FRACCHIA Y EL ESCENARIO DE LA VIDA.
Fracchia es un pintor inteligente que desde la selección de la pose, la iluminación y el tratamiento vacuo de los fondos da origen a una masa crítica de significados que van más allá de lo que el ojo percibe, por ejemplo la definición sutil de una unidad femenino-masculina constante en sus imágenes. Aunado a esto, hay en la semántica de los cuerpos una serie de objetos que sirven de puntos de contraste y similitud con la presencia humana. Como en la iconografía cristiana, el aura de los sujetos se extiende y se complementa en la presencia de los objetos.
Estos elementos externos, que de modo general pueden clasificarse como cosas que encierran una temporalidad, sirven de clave de entrada a la reflexión sobre la esencia de lo humano.
Las pinturas de este artista devienen un tipo de teatro que recuerda al del director estadounidense Robert Wilson, cuyas puestas en escena se caracterizan por crear espacios vacíos que únicamente incorporan la presencia de algún elemento pictórico, escultórico o lumínico. El escenario vacío, la presencia omnipresente de la luz y los fondos desvanecidos, son parte de esa gramática que pone énfasis en el cuerpo como signo y símbolo. Wilson y Fracchia no utilizan el objeto como utilería sino como parte esencial de la metáfora o la alegoría teatral.
En las pinturas de Luis Fracchia, por ejemplo en LA SIESTA DE ANA (2002), los personajes femeninos están sumidos en la reflexión, inconscientes de que son observados. De ellos emana un carisma que seduce al pensamiento del observador y lo llama a introducirse en los pensamientos y sentimientos de la modelo-personaje, los cuales puede intuir a través del lenguaje corporal. La percepción de que los sujetos no se sienten vigilados lleva a pensar en que la suya es una actitud más cercana a lo histriónico, pues sus gestos toman un valor retórico y descriptivo de su interioridad. En este tipo de cuadros Fracchia se vale de la sinécdoque, el significado del todo expresado por la parte, como puerta de entrada hacia una percepción ampliada del ser.
Ya se trate de figuras cerradas o abiertas, la dirección compositiva dirige la mirada hacia ciertos puntos de tensión, eso que Roland Barthes llama el punctum de la imagen en su análisis de la fotografía, ese elemento visual donde se concentra el significado que da vida a la composición y es el punto de partida de la construcción del aura de la imagen, que resulta evidente en pinturas como DESNUDO CIRCULAR FEMENINO (2001-2002). En pleno dominio y madurez de su oficio pictórico y su talento para la escenificación del cuerpo Fracchia incursiona actualmente en una estrategia distinta: trasladar el significado del sujeto al objeto, creando una asociación de formas que son una transposición de sentimientos complejos. (véase el tríptico Hilando cabos, 2002).
En GEOGRAFÍA PARTIDA (2003) la madera veteada refleja la complejidad del ser , la rugosidad de la piedra describe los pliegues que envuelven una interioridad amalgamada por experiencias que dejan su huella. Fracchia describe de la totalidad de la experiencia con representaciones directas, dejando de lado la anécdota para enfocarse en todo lo que deja huella indeleble en el ser.
En sus obras más recientes Fracchia sigue el principio denotativo de menos es más. A través de la nitidez con la que pinta sus cuerpos y de la fidelidad de sus superficies despierta en el observador a una serie de connotaciones complejas. Tal es el caso de pinturas como CIELO VERDADERO (2004) y FALSO cielo (2004). La almohada deviene en cielo símbolo de las religiones masculinas, o se convierte en un terreno de donde emergen plantas, que aluden a la dupla simbólica tierra-mujer. Este sencillo recurso de trastocar la morfología verosímil de un objeto tan simbólico como la almohada y la piedra potencia la descripción de naturaleza al convertirla en el cuadro en una suerte de milagro que recuerda las transubstaciones (del agua en vino, de la piedra en pan), y nos provee de un simbolismo acorde a nuestro contexto actual, con lo cual logra que la mirada contemplativa de la pintura se vuelva una especulación activa sobre lo onírico y la fantástico. A fin de cuentas la pintura de Fracchia se conecta con la tradición y el presente al convertirse en un foro donde la sola presencia apunta a una escenificación de mitos y ritos en los que todos participamos. Nos permite darnos cuenta de que la realidad es en principio un proscenio donde todos actuamos las escenas de nuestra vida e historia, que al verlas en sus pinturas resultan tan familiares como enigmáticas.
Por José Manuel Springer
Imágenes del Taller de Luis Fracchia - Ciudad de México
